Ausstellungsbeiträge/Exhibitioncontributions
Hannah Cooke: Ada vs. Abramović Video 2018
In her works “Ada vs. Emin” and “Ada vs. Abramović” from 2018, Cooke recreates existing works and expands them in content as well as visually. Cooke, herself a mother of a daughter, questions the image of mothers and women in the art world. For Marina Abramović and Tracey Emin, both icons of performance and installation art, motherhood and the artist’s profession are contradictory, and both make clear and even dismissive statements about this. Hannah Cooke responds: she accurately reproduces two works by Abramovic and Emin in a film studio and places herself, nursing her daughter Ada, in the picture. By entering into an eye-to-eye dialogue with her colleagues Emin and Abramovic, Cooke manages, without intentionally provoking, to make existing circumstances visible.” Text by Norina Quinte www.ato.vision
Tagesspiegel Nov. 2016: “Did you never want to have children?”
Marina Abramović: “No. Never. I aborted three times because I was convinced that it would be a disaster for my work. We just have a certain amount of energy in our body that I should have shared. In my opinion, that’s why women are not as successful in the art world as men. There are lots of talented women. Why do the men take over the important positions? Quite simply: love, family, children – all a woman does not want to sacrifice.”
Title: Ada vs. Emin, Video, 2018
In her works “Ada vs. Emin” and “Ada vs. Abramović” from 2018, Cooke recreates existing works and expands them in content as well as visually. Cooke, herself a mother of a daughter, questions the image of mothers and women in the art world. For Marina Abramović and Tracey Emin, both icons of performance and installation art, motherhood and the artist’s profession are contradictory, and both make clear and even dismissive statements about this. Hannah Cooke responds: she accurately reproduces two works by Abramovic and Emin in a film studio and places herself, nursing her daughter Ada, in the picture. By entering into an eye-to-eye dialogue with her colleagues Emin and Abramovic, Cooke manages, without intentionally provoking, to make existing circumstances visible.” Text by Norina Quinte www.ato.vision
Tracey Emin: “I don’t think I’d be making work (if I were a mother).’ She admits. ‘I would have been either 100% mother or 100% artist. I’m not flaky and I don’t compromise. Having children and being a mother… It would be a compromise to be an artist at the same time. I know some women can. But that’s not the kind of artist I aspire to be. There are good artists that have children. Of course there are. They are called men. It’s hard for women. It’s really difficult, they are emotionally torn. It’s hard enough for me with my cat.”
– DEUTSCH –
In ihren Arbeiten “Ada vs. Emin” und „Ada vs. Abramović“ von 2018 baut Cooke bereits bestehende Werke nach und erweitert diese inhaltlich wie visuell. Cooke, selbst Mutter einer Tochter, hinterfragt hier das Mutter- und Frauenbild in der Kunstwelt. Für Marina Abramović und Tracey Emin, beide Ikonen der Performance – und Installationskunst, widerspricht sich Mutterschaft und Künstlerinnenberuf, worüber sich beide in verschiedenen Statements deutlich – gar abfällig – äußern.
Hannah Cooke antwortet: akribisch reproduziert sie zwei Arbeiten von Abramovic und Emin in einem Filmstudio und setzt sich selbst, ihre Tochter Ada stillend, ins Bild hinein. Indem Cooke mit ihren Kolleginnen Emin und Abramovic einen Dialog auf Augenhöhe eingeht, schafft sie es, ohne bewusst zu provozieren, bestehende Umstände sichtbar zu machen.“ Text von Norina Quinte (www.ato.vision)
Tagesspiegel Nov. 2016: „Wollten Sie nie Kinder haben?“
Marina Abramović: „Nein. Nie. Ich habe drei Mal abgetrieben, weil ich überzeugt war, dass es ein Desaster für meine Arbeit wäre. Man hat nur so und so viel Energie in seinem Körper, und die hätte ich teilen müssen. Das ist meiner Ansicht nach der Grund, warum Frauen in der Kunstwelt nicht so erfolgreich sind wie Männer. Es gibt jede Menge talentierter Frauen. Warum übernehmen die Männer die wichtigen Positionen? Ganz einfach: Liebe, Familie, Kinder – all das will eine Frau nicht opfern.
Title: Ada vs. Emin, Video 2018
In ihren Arbeiten “Ada vs. Emin” und „Ada vs. Abramović“ von 2018 baut Cooke bereits bestehende Werke nach und erweitert diese inhaltlich wie visuell. Cooke, selbst Mutter einer Tochter, hinterfragt hier das Mutter- und Frauenbild in der Kunstwelt. Für Marina Abramović und Tracey Emin, beide Ikonen der Performance – und Installationskunst, widerspricht sich Mutterschaft und Künstlerinnenberuf, worüber sich beide in verschiedenen Statements deutlich – gar abfällig – äußern. Hannah Cooke antwortet: akribisch reproduziert sie zwei Arbeiten von Abramovic und Emin in einem Filmstudio und setzt sich selbst, ihre Tochter Ada stillend, ins Bild hinein. Indem Cooke mit ihren Kolleginnen Emin und Abramovic einen Dialog auf Augenhöhe eingeht, schafft sie es, ohne bewusst zu provozieren, bestehende Umstände sichtbar zu machen.“ Text von Norina Quinte (www.ato.vision)
Chloé Coomans: Trances et Errances
Video
As my girls grew up, they developed their own expressions, their own poems. My little one thrived in music and theater, and my big one in contemporary dance.This prompted us to want to create together, and to strengthen our strong bond between mother and daughter. The video work “Trances et Errances” combines our sensibilities, our views on the world and our aspirations. We are these women who dance and celebrate life above the mountains.
– DEUTSCH –
Als meine Mädchen heranwuchsen, entwickelten sie ihre eigenen Ausdrucksformen, ihre eigene Poesie. Meine Kleine blühte in der Musik und im Theater auf, meine Große im zeitgenössischen Tanz, was uns dazu veranlasste, gemeinsam etwas zu schaffen und unser starkes Band zwischen Mutter und Tochter zu stärken. Die Videoarbeit “Trances et Errances” vereint unsere Empfindsamkeiten, unsere Weltanschauung und unsere Sehnsüchte. Wir sind diese Frauen, die tanzen und das Leben über den Bergen feiern.
Alessandra Eramo: Tanz Sediment
Performance 2021
It usually happened during the tobacco harvest in summer: Women were “stung by the tarantula spider”. They fell into inner agitation and madness. Tarantism occurred in Apulia in southern Italy until the 1960s. Those affected organised healing rituals to free their bodies from the (symbolic) spider poison through frenetic Tarantella music and dance. At the same time, they gave a voice to suffering and oppression. Taking inspiration from this practice, in her work Tanz Sediment Alessandra Eramo creates a new trance music ritual, she explores the freedom that resists in the female voice, evoking sonic memories like a river sediment. She traces the wild, natural and vulnerable voice, which is not only an instrument, but it is an archaic sonic territory to be disclosed in the modern human body. The Performance consists of a hypnotic sound collage with voice, text, frame drum and field recordings.
Composition, Solo Voice, Field Recording and Electronics: Alessandra Eramo
Frame drum: Antonino Secchia
First Version and Broadcast: Deutschlandfunk Kultur “Klangkunst” 2020
Tanz Sediment VIDEO Excerpt: vimeo.com/384490621
– DEUTSCH –
Es geschah meist bei der Tabakernte im Sommer: Frauen wurden „”von der Tarantel gestochen”. Sie verfielen innerer Unruhe und Wahnsinn. Der Tarantismus trat bis in die 1960er Jahre im süditalienischen Apulien auf. Die Betroffenen organisierten Heilrituale, um ihren Körper durch frenetische Tarantellamusik und Tanz vom (symbolischen) Spinnengift zu befreien. Gleichzeitig gaben sie dem Leiden und der Unterdrückung eine Stimme. Inspiriert von dieser Praxis erschafft Alessandra Eramo ein neues Trance-Musik-Ritual, das klangliche Erinnerungen zutage fördert wie das Sediment eines Flusses. Dabei erforscht sie in Tanz Sediment den Raum der Freiheit, der in der Stimme widersteht. Die Performance besteht aus einer hypnotischen Klangcollage mit Stimme, Text, Rahmentrommel und Field Recordings. Es sind wilde Stimmen, laut, sanft, selbstbewusst, bestialisch, verletzlich. Ein archaischer Klangraum im Körper des modernen Menschen.
Antje Engelmann: Point of No Return
Video 2005
In Point of No Return Engelmann samples documentary footage from her private archive and the Internet to form a multi-layered filmic essay. In addition to her own voice, audio recordings can be heard from the Golden Record, which NASA sent into space as a message for extraterrestrial life. During her travels from New York to Los Angeles, Engelmann encountered the natural forces of the prairie, birds, and man: here is the genetic engineer whose mission it is to genetically encode and bring back to life the passenger pigeon; the ex-bodybuilder from Muscle Beach in Venice with his parrot who talks about the expanse of the cosmos; the Beat poet who tells about the Indians, psychoactive cacti, and shamanistic rituals. And here she is herself as expectant mother. Engelmann repeatedly hits upon iconic images of various forms of knowledge. Countercultural utopias, the first photographic view of the “whole” world – The Blue Marble –, Martha, the last passenger pigeon, the Kuksu dance, and the earth’s physical stresses are contained in the film. Point of No Return is a work about extinction and reanimation, death and birth. The complex montage is an oscillating search from microcosm to macrocosm and back again. “Becoming a mother means becoming a warrior and a worrier at the same time.”
– DEUTSCH –
In Point of No Return sampled Antje Engelmann dokumentarisches Filmmaterial aus ihrem privaten Archiv und dem Internet mit eigenen Texten zu einem vielschichtigen filmischen Essay: Neben ihrer eigenen Stimme sind Audio-Aufnahmen von der „Golden Record“ zu hören, die die NASA 1977 mit den Raumsonden Voyager 1 und 2 als Botschaft für Außerirdische ins All sandte. Der Künstlerin begegnen auf einer Reise von New York nach Los Angeles die Naturgewalten der Prärie, Vögel und Menschen: Da ist der Biologe und Gentechniker, der sich die Entschlüsselung und Wiedererweckung der im 19. Jahrhundert von den Siedlern ausgerotteten Wandertaube zur Aufgabe gemacht hat. Oder der Ex-Bodybuilder vom Muscle Beach in Venice, Los Angeles, der mit seinem Papagei gerade einem tödlichen Blitzgewitter entkommen ist und von den Weiten des Kosmos berichtet. Und der Beat Poet, der von Indianern, psychoaktiven Kakteen und schamanistischen Ritualen erzählt und in seinem letzten Roman ebenfalls von Wandertauben schreibt. Und da ist sie selbst als werdende Mutter. Auf ihrer Reise durch die Kulturgeschichte des Westens der USA stößt Antje Engelmann immer wieder auf ikonografische Bilder verschiedener Wissensformen und im weitesten Sinne auf anthropozäne Prozesse: Die Utopien der Gegenkultur, das erste fotografische Bild der „ganzen“ Welt (The Blue Marble), Martha, die letzte Wandertaube, der Kuksu-Tanz und physische Spannungen der Erde tragen durch den Film, der sich allen gängigen Genres widersetzt. Point of No Return ist ein Film über Auslöschung und Wiederbelebung, über Tod und Geburt. Die vielschichtige Montage von Material und Entwurf macht ihn zu einer oszillierenden Suche vom Mikrokosmos zum Makrokosmos und wieder zurück.
Anna Gohmert: Changing Years
Video 2021
The film focuses on dealing with the fact that it is just as challenging to go through the mood and hormonal changes while having your period, or getting pregnant, as it is when you suddenly enter (or have already completed) the phase that lacks this regular rhythm. Am I still desirable as a woman, even though, according to nature, I no longer smell animalistically oriented towards procreation? The story is accompanied by a pigeon that I always take the eggs away from so that it doesn’t reproduce. In the film, voices of a gynaecologist, a young mother who used to work in a pigeon loft to organise birth control, a perfumer, my mother, a shaman appear. The imagery consists of pigeons, documentary material and drawings as well as archival material from art history
– DEUTSCH –
Wechsel Jahre
Der Film konzentriert sich auf den Umgang zu registrieren, dass es genauso herausfordernd ist dem Stimmungs- und Hormonwechsel zu unterliegen wärend man seine Tage hat, oder man schwanger wird und ist, wie wenn man plötzlich in die Phase kommt (oder sie schon abgeschlossen ist), dass dieser regelmäsige Rhytmus fehlt. Bin ich als Frau noch begehrenswert, obwohl ich gemäß der Natur nun nicht mehr animalisch orientiert nach Fortpflanzung rieche . Begleitet wird die Erzählung von einer Taube, der ich immer die Eier wegnehme, damit sie sich nicht fortpflanzt. In dem Film tauchen Stimmen einer Frauenärztin, einer jungen Mutter, die früher in einem Taubenschlag gearbeitet hat, um die Geburtenkontrolle zu organisieren, einer Parfumeurin, meiner Mutter, einer Schamanin auf. Die Bilderwelt besteht aus Tauben, dokumentarischem Material, wie auch Zeichnungen und Archivmaterial der Kunstgeschichte.
Zsuzsanna Ilijn has designed the logo and postcard for the exhibition and contributes her beautiful poster in public space to the exhibition ground. The postcard is printed on gras fibres which is very energy-and resource-efficient material that is fully recyclable. She tries to work as substainable as possible to save mother earth.
– DEUTSCH –
Zsuzsanna Ilijin hat das Erscheinungsbild der Auststellung entworfen und hat das Poster für die Ausstellung gestaltet das im Eingang des Ausstellungraumes zu sehen ist. Die Postkarte wurde so klimafreundlich wie möglich gedruckt, das Material ist aus Graspapier und ist sehr energieeffizient und ressourcenschonend und kann zu 100% recycled werden um Mutter Erde zu schonen.
Renate Liebel: Mutterkraut (Rabenmutterkraut)
Installation 2021, Keramik, Pappmaché, Flummis, Pflaster, PVC, Discoplättchen, Pflanzenblätter, -Blüten- Wurzeln, Sprühlack, Porzellan, Karton, Erde, Beton, 2021
Mutterkraut (english: Fever Few, original translation: “mother’s herb”) is a series of objects that takes the plant Tanacetum parthenium as basis for an aesthetic- considerative research. So there is a plant named after mothers, used for centuries as a fever reducer, migraine fighter and abortifacient. A herb with many caring properties. Ones that are often associated with the demands placed on mothers. “Mother Herb” is an exploration of functions and meanings of materials and plant processes. It’s also an exploration of expectations. It expands the spectrum of ways to read “mother,” unites contrasts, brings together the unexpected and challenges notions.
– DEUTSCH –
“Mutterkraut“ ist eine Serie von Objekten, die die Pflanze Tanacetum parthenium als Grundlage einer ästhetisch- überlegenden Forschung nimmt. Schon seit Jahrhunderten als Fiebersenker, Migränebekämpfer und Abortivum benutzt, gibt es also eine Pflanze, die nach Müttern benannt ist. Ein Kraut mit vielen fürsorglichen Eigenschaften. Solche, die oft mit den Ansprüchen an Mütter verbunden werden.“Mutterkraut” ist eine Auseinandersetzung mit Funktionen und Bedeutungen von Materialien und pflanzlichen Prozessen. Eine Auseinandersetzung mit Erwartungen. Es erweitert das Spektrum der Möglichkeiten “Mutter” zu lesen, vereint Kontraste, führt Unerwartetes zusammen und stellt Vorstellungen infrage.
Marie Lienhard: Shared wings
Installation 2021, Carbon rods, latex balloons, helium, cord, swivel joint, weight
Size: Ø 4,5m x H 3m
Similar to a floating drawing in space, the thin carbon connecting rods are carried by black balloons filled with helium. Spheres, which are lighter than air, lift interconnected thin rods upwards, enabling them to float horizontally. The installation is reminiscent of Alexander Calder’s light mobiles, but in this arrangement, it is turned upside down and thus freed from its gravity. A balancing act against gravity becomes floating equilibrium. Only a small weight prevents the levitating installation from flying away. Even the slightest flow of air sets the installation in motion. The lines and spheres glide smoothly and harmoniously around each other, whereby it is left to chance whether random movements or moments of geometric harmony are to be seen. Beyond the astonishment at the strength in balance, vulnerability and lightness which the installation reveals about physical laws, ‘shared Wings’ also generates mental, and emotional associations of delicacy as an essential basis of the fragile interdependencies of all living beings.
– DEUTSCH –
Ähnlich einer schwebenden Raumzeichnung werden die dünnen Carbon Stäbe durch mit Helium gefüllte schwarze Latex Ballons getragen. Sphären, die leichter sind als Luft, heben miteinander verbundenen dünnen Stangen nach oben, damit sie horizontal schweben können. Die daraus entstehende Installation erinnert an die leichten Mobiles Alexander Calders, wird in dieser Anordnung jedoch auf den Kopf gestellt und damit von seiner Schwerkraft befreit. Aus einem Balanceakt gegen die Schwerkraft wird ein schwebendes Gleichgewicht. Lediglich ein kleines Gewicht verhindert das Abheben der schwerelosen Installation. Schon der leichteste Luftstrom versetzt die Installation in Bewegung. Fließend und harmonisch gleiten die Linien und Kugeln frei umeinander, wobei es dem Zufall überlassen bleibt, ob beliebige Bewegungen oder Momente geometrischer Harmonie zu sehen sind.Jenseits des Staunens über die Kraft in Balance, Verletzlichkeit und Leichtigkeit der physikalischen Gesetzmäßigkeiten, die die Installation offenbart, „shared Wings“ (geteilte Flügel) erzeugt auch geistige und emotionale Assoziationen von Zärtlichkeit als wesentliche Grundlage in den fragilen Interdependenzen aller Lebewesen.
Katharina Pethke: Reproduktion/Reproduction
Artistic Research in Practise: Images for video 2021
The correlation of a place and its different ideals. Or: How it is to be teaching artistic self-fulfillment in the very same room that I was born in. There is a maternity hospital next to the Art University in Hamburg, it is where my mother gave birth to me. Both buildings were from the same architect with a great vision from 100 years ago. (Male) artists were asked to place sculptures to illustrate the buildings’ functions. When the maternity hospital closed down (for neoliberal reason), artistic self-fulfillment moved in – in the form of seven different media schools. One of them being the institute that I work for: I am a professor in filmmaking at the University of Arts in Hamburg. The delivery room where I saw the light of day for the first time is now a modern cinema. On my way to work I pass by the ideal of a mother, engraved in stone: Day and night, sitting there bare naked, embracing her child selflessly. My own children being in daycare. Crying for their mother. Only their mother. I start investigating and the history of my family finally reveals beliefs and assumptions that kept women from doing what they really needed to be doing.
– DEUTSCH –
Künstlerische Forschung in der Praxis: Bilder für Video
Ein Ort in Verbindung zu seinen unterschiedlich besetzten Idealen. Oder: Wie es ist, Selbstverwirklichung genau dort zu lehren, wo ich geboren wurde. Neben der Kunsthochschule in Hamburg steht eine Frauenklinik – hier hat mich meine Mutter zur Welt gebracht. Beide Gebäude wurden von demselben visionären Architekten vor 100 Jahren entworfen und gebaut. (Männliche) Künstler wurden gebeten, Skulpturen zu platzieren, um die Funktionen der beiden Gebäude zu veranschaulichen. Als die Geburtsklinik (aus neoliberalen Gründen) geschlossen wurde, zog die künstlerische Selbstverwirklichung ein – in Form von sieben verschiedenen Medienschulen. Eines davon ist das Institut, für das ich arbeite: Ich bin Professorin für Film an der Hochschule für Künste. Der Kreißsaal, in dem ich zum ersten Mal das Licht der Welt erblickte, ist heute ein modernes Kino. Auf dem Weg zur Arbeit komme ich also an einem in Stein gemeißelten Mutterideal vorbei: Tag und Nacht sitzt sie da und beschützt nackt und selbstlos ihr Kind. Meine eigenen Kinder sind in der Kita. Weinen um ihre Mutter. Nur ihre Mutter. Ich fange an zu recherchieren und kann schließlich den über Generationen hinweg reproduzierten Irrglauben der Frauen in meiner Familie benennen.
Lerato Shadi: Sugar & Salt
Videostill 2014 Courtesy die Künstlerin und Galerie blank projects, Kapstadt”
The video “Sugar & Salt” shows a mother and daughter who are licking sugar and salt from each other’s tongues. Sugar being licked and consumed off the mother’s tongue and salt off the daughter’s tongue. The backdrop is of a romanticized ornamental pattern. The scenery acts as a vanishing point for the camera lens, at the same time the pattern creates a border between the two generations. The video looks at inter-generational relationships and narratives while using two substances—one a carbohydrate and the other a mineral—that look the same but are structurally different to thematise the interaction off screen
– DEUTSCH –
Das Video “Sugar & Salt” zeigt eine Mutter und eine Tochter, die sich gegenseitig Zucker und Salz von der Zunge lecken. Der Zucker wird von der Zunge der Mutter geleckt und verzehrt, das Salz von der Zunge der Tochter. Die Kulisse besteht aus einem romantisierten ornamentalen Muster. Die Szenerie dient als Fluchtpunkt für das Kameraobjektiv, gleichzeitig bildet das Muster eine Grenze zwischen den beiden Generationen. Das Video befasst sich mit den Beziehungen und Narrativen zwischen den Generationen und verwendet zwei Substanzen – ein Kohlenhydrat und ein Mineral -, die zwar gleich aussehen, aber strukturell unterschiedlich sind, um auf die Interaktion außerhalb des Screens hinzuweisen.
Nathalie Anguezomo Mba Bikoro:
I Go To Prepare A Place For You
Mixed media installation 2021
The work marks the movement of Black women soldiers prisoners in Germany in WWI and WWII who became mothers and wet nurses for German families. Often they would carry the children of their kidnappers and their infants would be snatched at birth for economical exploitation and echoes today in colonial continuities. The work reflects on motherhood as revolt through complex lineage of trafficking, domestic service, joy, imperfections and archival transmissions. The yellow liquids inside the small bottles consists of the collected liquid residue of sheep’s wool used in childbirth by the artist’s great grandmother and grandmother during the occupation of Bitam (Gabon) by German troops. Each sample messages of words women were forced to speak during that occupation in 1890-1910’s. Glass jars are samples of containers used to collect milk of young mothers who appear in archival photographs often part of an underground system of trans-Atlantic movement and resistance.
– DEUTSCH-
Das Werk erinnert an die Bewegung schwarzer Soldatinnen, die im Ersten und Zweiten Weltkrieg in Deutschland inhaftiert waren und zu Müttern und Ammen für deutsche Familien wurden. Oft trugen sie die Kinder ihrer Entführer bei sich, und ihre Säuglinge wurden ihnen bei der Geburt entrissen, um sie wirtschaftlich auszubeuten, was heute in kolonialen Kontinuitäten nachhallt. Die Arbeit reflektiert über Mutterschaft als Revolte durch die komplexe Geschichte von Menschenhandel, häuslichem Dienst, Freude, Unvollkommenheit und archivarischen Überlieferungen. Die gelbe Flüssigkeit in den kleinen Flaschen besteht aus den gesammelten flüssigen Rückständen von Schafwolle, die von der Urgroßmutter und Großmutter der Künstlerin während der Besetzung von Bitam (Gabun) durch deutsche Truppen bei der Geburt verwendet wurde. Jede Probe enthält Botschaften von Worten, die Frauen während der Besetzung in den Jahren 1890-1910 zu sprechen gezwungen waren. Die Glasgefäße sind Muster von Behältern, die zum Sammeln der Milch junger Mütter verwendet wurden, die auf Archivfotos zu sehen sind, die oft Teil eines Untergrundsystems der transatlantischen Bewegung und des Widerstands sind.